Vanishing Point (Theatrical Cut) 1080p HD BD RIP VOSTFR torrent

Derrière le scénariste de Vanishing Point, un certain Guillermo Cain, se cache en fait l'écrivain cubain Guillermo Cabrera Infante, l'un des chefs de file de la littérature latino-américaine. Passionné de cinéma, il fonde en 1951 la Cinémathèque de la Havane avec l'aide d'Henri Langlois et de son ami Nestor Almendros. De 1954 à 1959, il dirige la revue de cinéma Carteles dans laquelle il publie de nombreux textes où il célèbre Hitchcock, Welles, Truffaut, Rohmer ou Minnelli. Combattant de la première heure auprès de Fidel Castro, il prend peu à peu ses distances avec le régime et se retrouve placardisé comme attaché culturel en Belgique avant de rompre définitivement avec le castrisme en 1965. Exilé, il s'installe à Londres où il écrit le scénario de Wonderwall d'après une histoire de Gérard Brach, puis Vanishing Point qui le conduit à travailler un temps pour Hollywood. Il accepte par la suite une commande de Richard Zanuck, l'adaptation d'un roman d'espionnage, The Salzburg Connection de Helen MacInnes, qui se tourne en 1972 sans que son travail ne soit crédité. Il enchaîne avec une adaptation d'Au-dessous du volcan commandée par Joseph Losey qui souhaite porter le roman de Malcolm Lowry à l'écran. Mais l'écriture coïncide avec une grave crise dépressive qui foudroie l'écrivain. Il ne reviendra au cinéma qu'au milieu des années 1990 en signant le scénario d'Adieu Cuba que mettra en scène Andy Garcia.


?Autant dire que la carrière d'Infante dans le cinéma n'aura pas été à la hauteur des attentes soulevées par ses talents d'écrivain et ce coup de maître qu'est Point limite zéro. La réussite du film tient bien sûr au talent de metteur en scène de Richard C. Sarafian, mais aussi en grande partie au statut particulier d'Infante qui apporte un regard extérieur et critique sur cette époque charnière des Etats-Unis. Un regard nourri par sa connaissance du cinéma hollywoodien et donc de la façon dont celui-ci fabrique des mythes et des icônes pour mettre en scène sa vision de l'Amérique. Fort de ce bagage, l'écrivain nous offre un film complètement de son temps (tous les critères définissant un film du Nouvel Hollywood sont là) mais se révélant aussi étrangement "à côté", notamment par sa vision non orthodoxe des mouvements contestataires. Infante apporte aussi au film une dimension tragique et mélancolique qui - on le sent - vient de son statut d'exilé. Kowalski et l'Amérique, c'est comme Infante et Cuba : ils ne peuvent plus vivre dans leurs pays mais sont incapables d'échapper à sa présence, son souvenir.

?Richard Zanuck (futur producteur à succès des Dents de la mer) propose le scénario à Richard Sarafian, un réalisateur qui vient de la télévision et a tourné entre 62 et 69 quatre longs métrages, dont deux en Angleterre. Gene Hackman et George C.Scott sont sur les rangs pour interpréter Kowalski, Sarafian essaye de son côté d'avoir Jack Nicholson... mais Zanuck impose Barry Newman (qui jouera également dans The Salzburg Connection cité plus haut) avec qui Sarafian ne va pas du tout s'entendre sur le tournage. Le réalisateur n'avait pas forcément besoin de cette tension supplémentaire, lui qui doit mettre le film en boîte en vingt-huit jours avec une équipe technique de dix-huit personnes et un budget dérisoire de 1 400 000 dollars. C'est peu pour un film devant mettre en scène courses poursuites et cascades avec moult véhicules motorisés et même quelques hélicoptères. Sarafian parcourt 20 000 kilomètres pour ses repérages et, pendant le tournage entre Denver et Aspen, l'équipe doit faire dans les 300 kilomètres par jour. Sarafian parvient à utiliser ces déplacements obligés comme source d'énergie pour l'équipe qui se retrouve embarquée, comme Kowalski, dans une course contre le montre. Sarafian se nourrit de ce qu'il trouve pendant ce tournage nomade et ainsi la plupart des personnages croisés par Kowalski durant son périple sont interprétés par des locaux, que ce soit pour la figuration (ce qui donne au film un aspect documentaire assez saisissant) mais aussi pour la plupart des seconds rôles.

Que ce soit pour la rapidité, l'efficacité et la capacité à intégrer le réel pendant le tournage, Sarafian peut compter sur son chef opérateur John Alonzo qui fait ici un travail admirable. Venu lui aussi de la télé, il vient de faire ses débuts chez Roger Corman avec Bloody Mama. Il travaillera ensuite sur des films comme Harold et Maude, Chinatown ou plus tard Scarface. Outre les séquences de courses poursuites admirablement filmées, il brille également par sa manière de capter l'espace, les paysages, la richesse des textures de lumière. Surtout, il parvient à donner corps à cette vision d'une Amérique en déréliction où ne subsistent plus que des traces éparses du mythique Wilderness. Cette sensation que Kowalski arpente un territoire fantôme vient en grande part de la puissance évocatrice de la photo d'Alonzo. Nous ne sommes clairement plus chez John Ford : ce sont les mêmes paysages, mais plus la même Amérique. Comme Kowalski, on cherche les traces de son passé mythique et fantasmé, mais on n'en trouve que les cendres. On rêve de grands espaces, on ne trouve que la solitude et le vide. On cherche la pureté originelle, on n'a devant les yeux qu'un désert couvert de carcasses. Cette inadéquation entre les attentes de Kowalski (et les nôtres, spectateurs) et ce qu'il trouve réellement évoque magnifiquement ce mal-être qui traverse l'Amérique de la fin des années 60 et plus largement le trouble de tout homme prenant du recul par rapport à la société qui l'entoure, par rapport à sa propre vie. Le film parvient à trouver un précieux équilibre entre pensée (sur l'état de l'Amérique, sur le trouble existentiel du héros) et concret, Sarafian et Alonzo composant des plans quasi abstraits invitant à la réflexion tout en proposant dans un même temps un travail quasi documentaire par la façon dont ils filment la population locale et notamment les visages des figurants.

?Dans une tentative désespérée d'exorciser son mal-être, Kowalski trace une ligne droite, traversant les frontières des États d'Est en Ouest, reproduisant la trajectoire des pionniers, rejouant la conquête du Wilderness. S'il n'explique pas son geste autrement que par un besoin de fuite, inconsciemment on devine qu'il cherche à retrouver les traces d'une Amérique mythique qui à ses yeux n'existe plus. Il fuit la corruption de la grande ville de Denver (Sarafian montre en quelques minutes les petites combines, la drogue et la prostitution) en quête d'une pureté originelle. Mais la détermination suicidaire de Kowalski, la vitesse de son bolide, la trajectoire rectiligne qu'il s'impose vont donner à sa quête intérieure une toute autre dimension : celle d'une course folle, d'une lutte que rien ne peut arrêter. Le pari de Kowalski devient un bras d'honneur aux valeurs de l'Amérique, un geste incarnant toutes les contestations politiques et sociales qui remuent le pays à ce moment de son histoire. C'est du moins ce que voit en lui un DJ black, Super Soul, qui s'empare du périple de Kowalski pour faire de cet homme en rupture de ban le symbole de ces luttes. Et Super Soul de commenter tel un choeur antique la course contre la montre de Kowalski, la transformant en odyssée moderne.

?Pour Super Soul, Kowalski roule pour tous les hommes et femmes qui restent sur le bord du chemin, pour les marginaux et les exclus du rêve américain dont il croise de nombreux représentants lors de son périple. Cet ancien militaire et ancien policier qui d'un coup défie l'autorité et la loi incarne aux yeux de Super Soul la prise de conscience de l'Amérique et fait figure d'apôtre pour ce DJ épris de spiritualité qui rêve d'une nouvelle Amérique. Car l'Amérique que l'on a connue jusqu'ici est aux yeux de ces contestataires en train de mourir et Kowalski pulvérise avec son bolide les derniers vestiges de ce vieux monde en voie de disparition. Mais cette histoire que raconte Super Soul est-elle vraiment celle de Kowalski ? N'est-elle pas plutôt sa récupération par la contestation ? Il n'est pas anodin que le DJ soit aveugle. Il ne voit pas qui est réellement Kowalski et pourquoi il fait ce geste fou, récupérant à son propre profit le pari insensé de cet homme dont il fait malgré lui un héros.

?Mais voit-il seulement la réalité de son Amérique en révolution ? Tout au long du film, Sarafian montre les vestiges du rêve contestataire et le film prend les allure d'un adieu au rêve des 60's : à l'image du fournisseur d'amphétamines de Kowalski - un ancien hippie devenu dealer et proxénète - sexe et drogue ne sont plus des principes de vie mais un simple business ; le couple hippie auprès duquel Kowalski trouve un temps refuge n'est plus qu'un cliché poussiéreux, des miséreux vivotant dans le désert ; une communauté affichant des slogans peace and love se révèle être une sorte de secte mi-mormone mi-satanique ; les badauds aux cheveux longs se rassemblant à Cisco sont au spectacle, au même titre que les habitants de la ville venus assister à l'arrestation de Kowalski. Mais le pourrissement des idéaux des sixties n'est pas seulement interne, il est aussi dû à la force d'inertie que peut opposer l'Amérique réactionnaire à toute velléité de changement. Super Soul va ainsi se faire tabasser par des rednecks et voit son studio ravagé. La fenêtre qui donnait sur la foule de plus en plus nombreuse se rassemblant aux portes de la radio est alors remplacée par des planches de bois obstruant la vue, image symbole de la lutte pour les droits civiques se heurtant au conservatisme.

Mais savoir si Kowalski est un héraut de la contestation ou un héros malgré lui n'est que la face visible de Vanishing Point, qui est avant tout le drame d'un homme qui rentre par hasard en collision avec un moment de l'histoire américaine. Ce pari fou, absurde, suicidaire, désespéré peut être vu non comme la révolte d'un homme contre la société mais contre l'existence même. Une quête existentielle avec en point de mire la disparition, la mort, l'évaporation.

Comme l'expliquent Jean-Baptiste Thoret et Bernard Benoliel dans leur passionnant ouvrage, le road movie est avant tout un trajet intérieur. Ici celui de Kowalski qui cherche un sens à sa vie, se sent prisonnier de cette existence terrestre sans but ni destination. Il oppose dans un premier temps à cette prison existentielle la ligne droite et la vitesse, avec l'espoir d'en pulvériser les barreaux, mais il ne peut au final que se rendre compte que sa révolte est vaine.

(...) http://www.dvdclassik.com/critique/point-limite-zero-sarafian

Vanishing Point premiered in January 1971 and did not receive positive notices. In his review for the Los Angeles Times, Charles Champlin wrote, "Vanishing Point might have had a point, but it ... ah ... got lost. What's left is sophisticated craft and fashionably hokey cynicism".[19] Variety magazine said, "While stock car addicts may be able to maintain interest in the ultra-fast manipulation of the car, many viewers will just get car-sick ... or sick of the car, which isn't the same thing". Larry Cohen, in the Reporter criticized the film for being "calculated, tedious and in desperate need of tightening, the picture, produced by Norman Spencer, is uninvolving and devoid of a cohesiveness that might have made it work".
Newman recalls that Fox had no faith in the film and released it in neighborhood theaters only to disappear in less than two weeks. However, it was a critical and commercial success in the UK and Europe which prompted the studio to re-release it in the United States on a double bill with The French Connection. A cult following began to develop due in large part to a broadcast on network television in 1976.
The film earned rentals of $4,250,000 in North America.
The film currently has a rating of 75% on Rotten Tomatoes, based on 12 reviews.
- Wikipedia

Steven Spielberg named it one of his favorite movies of all time.

Death Proof, the Quentin Tarantino contribution to the faux-exploitation "double feature" Grindhouse, features a chase involving a Dodge Challenger resembling the one seen in Vanishing Point (not being an R/T model and having an automatic transmission). Death Proof also references the film by name repeatedly calling it – "one of the best American movies ever made". The car in the film also has the license plate OA 5599.
- Wikipedia

?Qualité : BDRIP